#48 Iglesias talladas en la roca de Lalibela

Vista desde arriba de Biet Giyorgis
Fotografiada por Julien Demade (2007)
[CC BY-SA 3.0], vía Wikipedia Commons

Tipo de construcción: templo

Época: siglo XIII

Lugar: región de Amhara (Etiopía)

No todas las construcciones se hacen hacia arriba

La última vez que comenté Etiopía aquí, era para hablar de los obeliscos de Axum, un reino de la época del imperio romano. Ese imperio tuvo fin al parecer en torno al año 960, con los ejércitos de la reina Gudit (o Judith), inaugurándose una dinastía de la que no se sabe mucho. La cosa es que el último rey de ella fue derrocada en 1137 y ahí es donde se pone el origen de la dinastía Zagüe.

A esta dinastía se atribuye normalmente las construcciones de Lalibela, en concreto a Gebre Mesqel Lalibela que se dice que reinó entre 1181 y 1221. La verdad es que no sé muy bien hasta qué punto hay documentos o vestigios arqueológicos que confirman todo ello, o si hay mucho de tradición oral y leyenda.

El relato que se hace es que, una vez que el cristianismo perdió Jerusalén a manos de los musulmanes en 1187, ese rey intentó hacer su Nueva Jerusalén en esta zona. Y por eso hizo construyó un montón de iglesias interconectadas en Lalibela, imitando el plano de ese Jerusalén que no sé si es el de verdad o más bien una ciudad celeste ideal.

Lo que más destaca y resulta realmente impresionante, es que se trata de iglesias talladas en la piedra. Sí, como en Petra, pero para abajo. En lugar de construir con materiales hacia arriba, lo que se hace es excavar la roca. 

La más conocida, posiblemente porque sea la mejor conservada, es la que se llama Biet Ghiorgis (Casa de San Jorge), y es la que he escogido para ilustrar este artículo.

Fotografía de Bernard Gagnon (2012) [CC BY-SA 3.0]

El estilo de estas iglesias recuerda al de la época aksumita, y es posible que también imitaran estructuras previas de madera. Actualmente siguen siendo centros de culto cristiano, en la variedad ortodoxa, e importante lugar de peregrinación, por lo que si vas como turista es posible que tengas que respetar un poquito el lugar, incluso si eres mujer taparte y esas cosas.

La «Iglesias excavadas en la roca de Lalibela» está incluida en la lista de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1978, y en su página web lo describe de la siguiente manera:

Situadas en una región montañosa del corazón de Etiopía, en las proximidades de una aldea tradicional de casas redondas, las once iglesias medievales de esta “Nueva Jerusalén” del siglo XIII fueron excavadas y esculpidas en la roca. Lugar sagrado de la cristiandad etíope, Lalibela sigue siendo hoy en día un centro de devoción y peregrinación.

Como (casi) siempre, se puede saber más con la página de la Wikipedia. 

Por si queréis saber más, #0 le dedicó un programa de Guardianes de la Historia. Está en You Tube, aquí lo tenéis:

Es un programa muy interesante, de verdad. 

#47 Gran mezquita de Ispahán

Vista panorámica de tres de los lados de la mezquita
Fotografiado por Fariborz Alagheband (2010)
[CC BY-SA 4.0], via Wikimedia Commons

Tipo de construcción: mezquita

Época: principalmente, siglo XI

Lugar: provincia de Ispahán (Irán)

Hacer, y rehacer, y añadir… más de mil años de arte islámico en un solo lugar

1055 es un momento de ruptura entre los lados oriental y occidental del mundo islámico. Es el momento en el que los turcos selyúcidas ocuparon Bagdad. Y es un momento trascendente para el arte islámico.

Entonces se observa un cambio en los modelos de mezquitas. Ya no es el prototipo sirio con raíces bizantinas, sino que se empiezan a tomar más los modelos orientales, en los que hay un gran patio central al que van a dar los divanes o iwanes.

Modelo de este nuevo modelo constructivo del siglo XI es la gran mezquita de Ispahán, cuya planta cruciforme tiene un patio en el medio y, a cada uno de los cuatro lados, un iwan, sobre los ejes longitudinal y horizontal.

El iwan es una sala cerrada por tres de los cuatro lados, y que se incluye en la arquitectura islámica a partir del período abasí.

Sería, estilísticamente, un segundo momento del arte islámico, el que va desde fines del siglo XI hasta el siglo XVI. Aunque, como ya se ve, aquí se empieza a construir antes y se le siguen haciendo reformas y añadidos después. Pero lo mollar es esa construcción del siglo XI. Luego sirvió de modelo a otras mezquitas de Asia central, de los mogoles timúridas, como el mausoleo de Ali ibn Musa al-Rida en Mashhad, un importante centro de peregrinación chiíta, y la madraza Giyatiyya de Khargird, en el Jorasán.

Es una de las mezquitas más antiguas de Irán. Aquí cada una de esas salas abiertas llamadas iwanes está abovedada.

Aunque los orígenes de la mezquita están en el siglo VIII, lo cierto es que se reconstruyó en el siglo XI, y fue remodelada posteriormente. Así, la cúpula meridional fue construida en 1086–87 por el visir Nizam al-Mulk, y era la más grande de las conocidas en aquella época; un año después, se erigió la cúpula septentrional por Taj al-Mulk, rival de Nizam al-Mulk. El iwan que está en el muro de la quibla, el meridional, destaca por su ornamentación de muqarnas ejecutado en el siglo XIII.

Ejemplo de muqarnas, con construcción caligráfica
Fotografiada por Diego Delso [CC BY-SA 4.0]

Por si alguien tiene curiosidad por saber cómo se hacían este tipo de adornos, y qué diferencia hay entre los mocárabes del arte islámico occidental y las muqarnas del oriental, hay un artículo muy ilustrativo en la página web del Patronato de la Alhambra. Hay mucha geometría detrás de estos elementos constructivos.

A lo largo de los siglos siguientes, cada una de las dinastías que pasaron por Ispahán (los mongoles, los muzafáridas, los timúridas, los safávidas) le fueron haciendo añadidos. Así que se puede ir siguiendo la historia persa a partir de la huella que cada uno iba dejando en esta mezquita.

Ispahán se encuentra en la intersección de las dos principales rutas norte-sur y este-oeste de Irán. Semejante cruce de caminos floreció entre los años 1050 y 1722, convirtiéndose por dos veces en la capital de Persia: primero con los selyúcidas a mediados del siglo XI y luego con los safávidas en los siglos XVI y XVII. No es de extrañar que queden ejemplos tan maravillosos del arte islámico como esta gran mezquita, y otros que a ver si tengo en el futuro oportunidad de comentarlos aquí.

La «Mezquita del Viernes de Isfahán» está incluida en la lista de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 2012, y en su página web lo describe de la siguiente manera:

Situada en el centro histórico de Isfahán, la “Mezquita del Viernes” ilustra de manera sobresaliente la evolución de la arquitectura de mezquitas desde el año 841 d. de C. y a lo largo de doce siglos. Es el edificio más antiguo de su estilo en Irán y sirvió como prototipo para varias mezquitas posteriores construidas en Asia Central. El complejo, de una extensión superior a los 20.000 metros cuadrados, es también el primer edificio islámico que adaptó el diseño con cuatro patios propio de los palacios sasánidas a la arquitectura islámica de carácter religioso. Sus cúpulas abovedadas representan una innovación arquitectónica que inspiró a los constructores de otros edificios en la región. El sitio tiene además detalles decorativos representativos de desarrollos estilísticos que abarcan más de mil años de arte islámico.

Como siempre, para saber más, podéis empezar por la Wikipedia.

Encontré en internet este vídeo de apenas minuto y medio, para que te hagas a la idea de cómo es esta gran mezquita.

#74 Annie Hall

Annie Hall

Año: 1977

País: Estados Unidos

Dirección: Woody Allen

Música: Varios

Problemas del primer mundo

            

Hace poco he vuelto a ver esta comedia de Woody Allen. Es de esas películas de las que siempre dudo si la he visto o no; en cuanto empieza, me doy cuenta de que la he visto cien veces, pero al final –por su forma de contar las cosas–, ya no puedo parar y me la fumo hasta el final.

Eso es porque Woody Allen es un director cinematográficamente extraordinario, como Tarantino: aunque te importe un pijo lo que te cuenta, no dejas de ver la película, porque sabe cómo narrar una historia.

            Aquí, por medio de flashbacks, te cuenta básicamente la historia de amor de un humorista, Alvy Singer, y la cantante aficionada Annie Hall: se conocen, se enamoran, viven juntos y luego la cosa acaba y quedan como amigos. Por medio, muchas comeduras de tarro absurdas, alguna escena fantástica de la niñez de Alvy como niño judío de Brooklyn (que debe ser algo muy particular) y chistes con ese gracejo tan particular de Allen.

La califican como comedia romántica, pero yo no estoy muy segura de que encaje del todo en ese género. Yo lo dejaría en comedia a secas: primero, porque no acaba con un final feliz, que es lo que los espectadores solemos esperar en una comedia romántica; y, segundo, porque todo está contado desde la perspectiva de él, no de ella, e incluye otras cosas de la vida de Singer ajenas a su relación con Hall.

Tiene ese puntín machista de que Alvy se enamora de Annie pero le parece poco cultivada, así que le hace leer ciertos libros, y la anima a recibir una educación de la que carece. Ella lo intenta pero la verdad, sus intereses son otros… Por eso que cuando rompen, todos los libros que lleven «muerte» en el título son de él.

Este intento de hacer de Pigmalión es otro de los elementos ridículos del personaje de Singer.

Son gente incapaz de estar satisfechos a pesar de no tener realmente ningún problema. Le dan vueltas a la cabeza a inanidades, y como no tienen problemas de verdad (como sería una depresión o ansiedad), tampoco van a un médico de verdad para que se lo arregle, sino que van durante años a un psicoanalista, por aquello de tener alguien con quien charlar, supongo.

Pese a lanzar de vez en cuando nombres importantes o temas tremendos (como el Holocausto o Shoá), al final son gente que resultan muy superficiales, de esos que parecen andar de puntillas sobre la vida, como los personajes de Oscar Wilde.

Como actores, Woody Allen y Diane Keaton simplemente cumplen. A mí nunca me han parecido grandes intérpretes y esta película no es una excepción. No digo que no tenga mérito, porque no es fácil aparentar tanta naturalidad y sencillez como ellos hacen.

Así que no destacaría ni el argumento ni las interpretaciones, pero sí ese magnífico estilo que tiene Allen para que te quedes colgado de sus imágenes. Dicen que rinde homenaje a Bergman, pero en mi opinión esto está a años luz de la auténtica angustia vital que puedes ver en un Bergman. Para mí, las obras de Allen que más me recuerdan al director sueco son Delitos y faltas y Maridos y mujeres, ambas me resultan estremecedoras. Si he seleccionado Annie Hall para esta lista de cien películas es porque resulta más conocida y admirada que esas otras.

Yo lo que más destacaría (porque para superficial, ya estoy yo) es el legado más perdurable de esta película: el estilo Annie Hall. Sí, ella puso de moda elementos tradicionalmente masculinos, como las corbatas, los chalecos, los pantalones cómodos, hasta algún sombrero... Aquí os dejo enlace a un artículo que dice que Annie Hall lleva 40 años siendo la verdadera "It Girl". Gran parte del mérito lo tiene la propia Keaton, que llevaba su propia ropa; aparte de eso, tenía en el equipo de diseño de vestuario, entre otros, a Ralph Lauren. Aquí os dejo enlace a otro artículo sobre la moda y el cine en relación a esta película. De ese blog trendencias cojo esta foto muy expresiva del estilo Annie Hall:

Entre sus muchos premios, tuvo cuatro Óscar: película, director, guion original y actriz (Diane Keaton). También ganó Keaton el globo de oro a la mejor actriz musical/comedia. Dado que a Keaton la premiaron o nominaron tanto, es evidente que mi idea de lo que es una buena actriz es bien distinta de la de ellos. Ojo, que no digo que Keaton sea mala, es una profesional y cumple muy bien. Y además, es alucinante que premien una interpretación en una comedia, que ya se sabe que siempre es minusvalorada. Pero lo que me ocurre es que… siempre la ves a ella, nunca al personaje.

Annie Hall forma parte del 10 Top 10 de American Film Institute, en la categoría «Comedia romántica». En 1992, fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Es una película de esas que no entusiasman pero que resulta tremendamente agradable de ver. Algunos de sus chistes son antológicos.

Para saber más: consúltese la Wikipedia, Film Affinity o la Internet Movie Data Base. 

#68 Con faldas y a lo loco

Del trailer de United Artist
Vía Wikimedia Comons

Some like it hot

Año: 1959

País: Estados Unidos

Dirección: Billy Wilder

Música: Adolph Deutsch

Una comedia en la que brilla Jack Lemmon… y las lentejuelas de la Monroe

           

Estas vacaciones de Navidad me he dedicado a ver diversas películas, y entre las comedias, sobresale este Con faldas y a lo loco. Un clásico que conserva su frescura. Es más, diría yo que con la liberación mental de la época actual, esta historia de travestismo es a día de hoy, aún más descacharrante que en los cincuenta.

Te cuenta como dos músicos de medio pelo tienen que salir por patas del violento Chicago 1929, y lo hacen travestidos. Así se integran en una banda de chicas que va a tocar en Miami. Los dos se sentirán atraídos por la cantante-tocadora de ukelele, quien ha tenido malas experiencias con músicos y solo aspira a pillar a un buen millonario.

            Una comedia de disfraces y engaños. No solo Jack Lemmon y Tony Curtis tienen que vestir de mujer durante la mayor parte del metraje sino que también Tony Curtis, para seducir a Marilyn Monroe, se hace pasar por un millonario frígido.

¿Qué queréis que os diga? Este año se cumplen sesenta años de esta comedia y aún tiene gracia. Que haya chistes que superen el medio siglo es algo maravilloso. Seguro que hay cien cosas políticamente incorrectas en esta historia, pero ni te das cuenta, pues te dejas llevar por la historia, sin más.

Los actores están estupendos, pero si alguien sobresale por encima de todos es, a mi modo de ver, Jack Lemmon, el José Luis López Vázquez estadounidense. Lemmon es capaz de hacerte soltar la risotada, solo con un gesto, una expresión, una mirada airada o soñadora a su compañero de fatigas, Tony Curtis. Podría ser un secundario y sin embargo, se come la pantalla cada vez que aparece.

Punto y aparte merece Marilyn o, más bien, su vestuario. Hay un par de vestidos que son más bien desnudos. Yo me digo, ¿pero cómo dejaron pasar eso la censura, de verdad esto se estrenó en España…? Cuando ella está en pantalla se te van los ojos tras sus redondeces y turgencias, es imposible de evitar.

Me encanta el ritmo de la película. Puede parecer lento, acostumbrados como estamos a las «videocliperas» pelis de hogaño. Pero antaño las cosas eran de otra manera: sin prisa pero sin pausa. No sobra una sola escena, y va pasando de una a otra, desarrollando el guion sin darte un momento de respiro.

Una de las cosas que quizá no se sepa mucho de esta película, es que se trata de la versión estadounidense de la película francesa Fanfare d'amour (1935), dirigida por Richard Pottier.

Ganó el Óscar al mejor vestuario; tuvo otras nominaciones, pero era el año del blockbuster Ben-Hur y claro, este péplum arrasó. Mira que me gusta Charlton Heston (soy así de superficial: lo físico me tira demasiado), pero sinceramente creo que Jack Lemmon está espectacular en esta película y se merecía más el Óscar.

Obtuvo 3 Globos de Oro: Mejor Película Comedia, Actor (Lemmon), Actriz (Monroe), el BAFTA al mejor actor extranjero (Lemmon, again).

Se ha considerado como una de las mejores comedias de la historia, en diversas listas, como la del American Film Institute o una encuesta de la BBC de 2017. En 1989, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Y no cuento más. Solo que os recomiendo ver esta película si queréis ver un magnífico actor cómico. Una película conocida por otras dos cosas: el desquiciado título que le pusieron en España y la escena final «nadie es perfecto», aquí os la dejo

Para saber más: consúltese la Wikipedia, Film Affinity o la Internet Movie Data Base.

#39 El pianista

Ficha en Film Affinity

The pianist (Le Pianiste)

Año: 2002

País: Reino Unido

Dirección: Roman Polanski

Música: Wojciech Kilar

Una de las películas más dignas sobre la Segunda Guerra Mundial

       

     He vuelto a ver esta película recientemente, y me sigue impresionando. Roza la excelencia y es de las que a mí me parecen imprescindibles.

Te cuenta la historia de un pianista de la radio polaca, un tipo normal, que ve de repente invadido su país y cómo, poco a poco, va cayendo en un infierno. Cómo es marcado, él y su familia, cómo queda solo, hace trabajos forzados, se ve enfrentado a escenas terribles que mira sin gritar, sin necesidad de aspavientos, asumiendo que eso es su nueva realidad. Una pesadilla.

            No es una película que te manipule sentimentalmente para que acabes llorando como La lista de Schindler o La vida es bella, y que por eso mismo no puedes dejar de ser consciente de que son películas. Más que una peli de ficción, parece un documental. Ahí está la vida cotidiana, la gente normal, la nueva existencia a la que se vio arrojado esta pianista por el mero hecho de ser judío.

La gente se adapta, sobrevive, y lo que más me impresiona es ¿de dónde sacaba Szpilman la fuerza para seguir adelante? ¿Cómo mantiene la voluntad de seguir existiendo, un día más, aunque te amenacen, te humillen, te golpeen, y estés al albur del matón de turno...?

Lo normal es la crueldad, la delación, el abuso del que es más débil. Y, sin embargo, también hay gente común, que a pesar del miedo, echa una mano y hace lo que puede.

Lógicamente, nada de esto sería creíble si no fuera por esos magníficos actores empezando por Adrien Brody en la interpretación de su vida, y siguiendo,… por todos, simplemente. Son magníficos, menos conocidos, y dan a cada papel una dignidad tan respetuosa con los que murieron.

Se nota que es una película europea, sobre un caso real, y dirigida por alguien como Polanski, que perdió parte de su familia en el Holocausto. Es uno de los grandes creadores del cine europeo, y aún está entre nosotros.

El toque europeo lo veo yo en la sobriedad, en la contención emocional, el que no se haga un espectáculo del Holocausto, que no te ponga música chirriante para decirte cómo te tienes que sentir en cada momento.

También se ve en que no te explica los acontecimientos que se van presentando. Se supone, si eres un europeo mínimamente culto, que sabes quiénes eran aquellos policías organizados por los Judenräte, cómo se construyó el gueto de Varsovia, qué fue el levantamiento del año 43, o cómo los polacos –ingenuos hasta el final– se alzaron cuando el Ejército Rojo estaba a las puertas, ignorando que Stalin iba a dejar que los nazis los masacraran sin piedad, y sin que los aliados occidentales movieran un solo dedo.

(A cambio, obviamente, de cosas como por ejemplo la manita británica en Grecia, anulando a los resistentes comunistas).

Advierto, para quienes todo esto les asuste un poco, que no es una película difícil de ver. Lo que te cuenta es duro, pero lleva de una manera tan natural de una cosa a otra, a veces con esos maravillosos momentos de música clásica, que puedes aguantar ver hasta qué punto el ser humano puede ser resiliente. 

Todo el sufrimiento del mundo se resume en una mirada de Brody. 

Os la recomiendo, de verdad, es una película estupenda que te ilustra muy bien cómo es la vida bajo un régimen totalitario, y cómo reacciona la gente normal y corriente.

Ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes; dos BAFTA (mejor película y director), siete César (incluyendo mejor película, actor y director), el David de Donatello a la mejor película extranjera, el Goya a la mejor película europea; la mejor fotografía en los premios del Cine Europeo; y también tres premios Óscar: Mejor director, actor (Adrien Brody) y guión adaptado.

Para saber más: consúlteme usted la Wikipedia, Film Affinity o la Internet Movie Data Base. 

Os dejo enlace a «la escena» archiconocida de esta película, que la verdad, tiene sentido tremendo dentro de la historia. Es fuerte, es muy tensa, la primera vez que la vi me tiré todo el tiempo tensa esperando el momento en que acabaran pegándole un tiro mientras escuchaba esa música de Chopin. Creo que resume muy bien el estilo de la historia.

#39 Hansel y Gretel

Hansel y Gretel, Staatsoper de Viena (2015)
Por Francisco Peralta Torrejón
[CC BY-SA 4.0], vía Wikimedia Commons

Hänsel und Gretel

Estreno: Weimar, 28 de diciembre de 1893

Compositor: Engelbert Humperdinck

Libreto en alemán: Adelheid Wette, basado en un cuento de los Hermanos Grimm

Género: ópera romántica

Tal día como hoy se estrenó, en el Teatro de la Corte de Weimar, esta ópera infantil tan navideña

Es muy propio de esta época representar Hansel y Gretel, al menos en los teatros alemanes y anglosajones. De hecho, es la que eligieron para que fuera la primera retransmisión en directo desde el escenario del Metropolitan: fue el día de Navidad del año 1931.

El relato es el propio del conocido cuento: dos niños pobres se pierden en el bosque, acaban en la casa de una bruja que come niños, pero hábilmente Gretel consigue salvarse, a ella y a su hermano, y la que acaba en el horno es la bruja.

Sí, es una historia truculenta. Pero es que los cuentos, antes de Disney, eran así: tremendos, con todas las cosas terribles que acechan en el mundo.

Humperdinck iba al parecer para arquitecto, pero se le dio tan bien lo musical, que su camino se desvió. Fue profesor de conservatorio, ayudante de Wagner en Bayreuth y claro que compuso más cosas, pero hoy se le recuerda sobre todo por esta ópera. 

Aunque, como buen alemán del XIX, su obra se valora en relación con la de Wagner: que si se parece o no, que si usa sus texturas, su forma de componer o no… En realidad, a mí me convencen más quienes lo alinean en el grupo de los compositores más folklóricos y nacionalistas, como los checos de la época, por ejemplo. Coge un relato popular, le pone una música encantadora, temas más regionales, y no se deja llevar por elucubraciones épicas.

Es de esas óperas más bien cortitas con las que se puede crear afición. Estará en torno a las dos horas. Me parece a mí que es de esas mejor para verlas representadas, que simplemente oída en grabación. Sobre todo, si saben crear un mundo de fantasía que es lo que le va a esta historia con brujas, ángeles y hadas.

Los momentos más conocidos de esta ópera son, creo yo, la cabalgata de la bruja (esa sí con resonancias wagnerianas) y el momento al final del segundo acto en el que los niños se quedan dormidos en el bosque y un coro de ángeles desciende para protegerlos en su sueño.

Como grabación recomendada de esta ópera propongo la dirigida por Herbert von Karajan en 1953 para la EMI, con la orquesta Philharmonia. Los cantantes fueron: Elisabeth Grümmer (Hänsel), Elisabeth Schwarzkopf (Gretel), Else Schürhoff (Bruja), Maria von Ilosvay (Madre), Josef Metternich (Padre), Anny Felbermayer (El hombre de arena, El hada del rocío).

Para saber más, la wikipedia. El libreto, en español y alemán, así como discografía de referencia, en Kareol. 

En You Tube he encontrado esta grabación con la Gruberová.

#67 La ventana indiscreta

(c) Paramount International
[Dominio público] vía Wikimedia
Commons

Rear window

Año: 1954

País: Estados Unidos

Dirección: Alfred Hitchcock

Música: Franz Waxman

Grace Kelly estaba, simplemente, radiante

            

Hacía mucho que no comentaba aquí una película. Tendré que retomarlo con más ganas. Como esta la acabo de ver, por enésima vez, y la tengo incluida en mi Top 100, me dije, venga, vamos a hablar un poco de los vestidos de Grace Kelly.

Más de una película de Hitchcock es puro suspense romántico. Esta es una de ellas. Hay un fotoperiodista, Jeff (interpretado por James Stweart) que se ve obligado a quedar en cama por tener una pierna quebrada, y no se le ocurre otra cosa que cotillear a los vecinos. Hasta que empieza a obsesionarse con uno en particular, y a imaginar que ha matado a su mujer. Toda la tensión de la película es saber si efectivamente mató o no a su mujer, y si van a conseguir descubrirlo antes de que su propia vida esté en peligro.

            Seguramente todos los libros de cine te hablen de este misterio, y de la maravilla que es saber mantener el misterio en el reducido espacio de una habitación. O, también, del voyerismo impenitente del fotógrafo, que aunque debería respetar la intimidad de sus vecinos, se siente seducido por esas historias que ve por las ventanitas: la chica joven y atractiva, la solitaria solterona, la pareja de recién casados, el compositor de la música, inolvidable «Mona Lisa».

Pero, sinceramente, si ves esta película, te vas a quedar colgada de los impresionantes vestidos de Grace Kelly y cómo los luce. Kelly hace de novia del fotógrafo, una mujer sofisticada llamada Lisa, de buena familia, bastante opuesta a este trotamundos amante de la aventura, osado… Aunque no estoy muy segura de que un buenazo como Stewart sea del todo adecuado para semejante personaje.

Un punto de conflicto entre ellos está en que ella quiere casarse, formalizar su relación, aunque tenga que recorrer el mundo con él. Sin embargo, él se resiste, no cree que esté preparado para casarse, y ella está demasiado acostumbrada a la buena vida como para vivir en los lugares y de la forma tan arrastrada que un fotoperiodista tiene que llevar.

Los outfits de Kelly, obra de Edith Heath, una de las mejores diseñadoras de vestuario de la historia del cine, son impresionantes. A través de cada una de las piezas, te describe cómo es ella y en qué momento está de su relación (Véase esta entrada en «Retales de un idilio»). Es deslumbrante el primero, en que ella aparece como una auténtica princesa de la alta sociedad: un dos piezas, la superior, negra y con escote en pico, delante y detrás; la falda se despliega impresionante, gasa y tul con ornamentos negros. Tal que así.

El final de la peli es atómico, con ella dispuesta a emprender una nueva vida a su lado, con camisa masculina y unos jeans, estudiando con gran interés un libro de viajes… Hasta que comprueba que su novio se ha dormido y sustituye el libraco por un ejemplar de Harper’s Bazaar.

Todo un estudio del estilo lady like, por si algún día quieres darle una oportunidad.

La película se basa en un cuento de Cornell Woolrich: «It had to be murder». 

Toda ella se rodó en un estudio, para lo cual tuvieron que construir el decorado más grande en su tipo que confeccionada la Paramount.

En tema de premios, se los llevó Grace Kelly. Ya digo que no le puedes quitar los ojos de encima, creo que aquí está verdaderamente inmensa, luciendo palmito. Ganó el premio a la mejor actriz del Círculo de Críticos de Nueva York y el National Board of Review. De los Óscar, hay que olvidarse, rara vez premiaron algo tan entretenido como esto, con tanto estilo y tan puramente de género. Por eso muchas películas premiadas han caído en el olvido, y esta la puedes seguir viendo más de medio siglo después, con el mismo placer que el primer día.

Por cierto, en 1997, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos la escogió como una obra «cultural, histórica y estéticamente significativa», por lo que la seleccionaron para que el National Film Registry la conservara.

Así que, de verdad, si quieres ver una obra entretenida por la que parece que no pasan los años, podéis darle una oportunidad. Otras de Hitchcock, especialmente cuando se ponía en plan intelectual psicoanalítico o machistón a secas, no son ni de lejos tan agradables de ver.

Para saber más: consúltese la Wikipedia, Film Affinity o la Internet Movie Data Base.