#42 Deseando amar

 

 

Fa yeung nin wa (In the Mood for Love)

Año: 2000

País: Hong Kong

Dirección: Wong Kar-Wai

Música: Michael Galasso

 

Una de las películas más bonitas de la historia

 Sí, lo sé, nadie que escriba aunque sea por afición, que es lo que yo hago, debería recurrir a los adjetivos bueno, bonito o barato

Pero es que eso es lo que se queda sobre todo de esta película, la belleza de las imágenes, la fotografía, los actores, las palabras que pronuncian, la música envolvente, los colores saturados, la ropa alucinante, sobre todo los vestidos de Maggie Cheung, la forma en que esta actriz se mueve, las miradas entre ella y, ains, Tony Leung…

Hace veinte años de esta película, posiblemente la mejor de su director, uno de esos directores hongkoneses que nos deslumbraron en los noventa y con el cambio de siglo.

Es una historia de amor, o igual no, igual son dos que quieren enamorarse, y en realidad no lo logran. Las imágenes, las palabras, el Cine está ahí, y tú ya si quieres rellenas las elipsis con lo que quieras, con una historia de amor o de desamor, de ansias frustradas o de realizaciones plenas.

Si quieres hay sexo y si no, todo es platónico. Sí, hay un niño al final pero ese, ¿de quién es hijo? ¿De los protagonistas? ¿O es que ella volvió con su marido? ¿Y qué fue de sus esposos? ¿Se reencontraron años después en Singapur, o en Tailandia, o quedaron para siempre en soledad? Tal vez él pasó de abrir esa puerta, pero volvió a los cinco minutos…Igual él contó su secreto al muro del templo y, nada más volverse, ahí estaba ella...

Se ambienta en el Hong Kong de 1962. Chow (Tony Leung), periodista, se traslada a vivir con su mujer a un edificio en el que conocerán a otro matrimonio, formado por Su Li-zhen y su esposo. Se cruzan, se miran, hablan, siempre desde la distancia y la educación del trato señor / señora. Un día descubren que sus esposos respectivos son amantes.

Ante la infidelidad, pasarán más tiempo juntos, intentando entender qué ocurre, y eso les lleva a enamorarse... O, al menos, eso parece a veces, otras es como si estuvieran únicamente reproduciendo lo que ha ocurrido con sus cónyuges, intentando comprender. ¿Están enamorados? ¿O solo lo fingen? ¿O quieren estarlo pero no pueden?

Pasan el tiempo, son maravillosas las transiciones de un momento al siguiente, que deduces por los cambios de vestuario de los protagonistas, las corbatas de él y, sobre todo, los alucinantes vestidos de ella.

Maggie Cheung luce uno de esos cuerpos que a todas nos gustaría tener. Delgadita, pero con sus curvas marcadas, nada de parecer un muchachito. Es súper elegante. Viste todo el rato el mismo modelo de vestido, que gracias a esta película descubrí que se llama qipao. Es algo estudiado y comentado, tanto que hasta se ha contado y recopilado cada uno de ellos. O cheongsham lo he visto llamado también. No he sido capaz de entender si es lo mismo o diferente.

Aquí os dejo un enlace a un corto de internet en la que los puedes ir viendo. Pero vamos, que si buscas en internet encontrarás muchísimos artículos dedicados a los vestidos que luce Cheung en esta película.

Y, de paso, la envolvente música que no era para esta película, pero que se aprovechó tan bien que la asocias con ella. Es repetitiva, minimalista, pero con una melodía inolvidable. Este vals «tema de Yumeji» (Yumeji's theme) lo compuso Shigeru Umebayashi. para Yumeji (1991), de Suzuki Seijun.

También pululan por la obra canciones de Nat King Cole en español. Te queda la duda, ¿es intencionado? Lo que se dice en las letras, ¿tiene relación o no con lo que vemos? Creo que no hay nada casual en esta película, pero eso es algo que tienes que decidir al verlo. Sobre todo mientras oyes el Quizás, quizás, quizás...

Esto es Cine, una de esas películas que lo tienen todo y te lo narra de esa manera, metiendo todas las técnicas cinematográficas a su alcance. Empiezo por los actores: Maggie Cheung, una actriz que es de las más elegantes que he visto en mi vida, y un actor, Tony Leung, que es uno de los héroes románticos por excelencia de las últimas décadas. A Leung le vi haciendo de malote en la última (más bien anteúltima) de Marvel, Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos, pero incluso en esa película, lo suyo se explica por amor romántico hacia su señora, por encima de todo, incluso del amor hacia sus hijos.

Espero que no sea la última vez que traigo por aquí a Tony Leung, uno de mis actores favoritos.

Pero es que esta película no son solo sus actores, es esa forma tan magnífica de transmitir las cosas, con una mirada, un gesto; el vestuario, la puesta en escena, la fotografía, la música, etc. todo al servicio de una historia que, encima, no te cuentan del todo y tú te la montas en la cabeza.

Se la recomiendo a cualquiera que le guste el Cine. Es una peli maravillosa.

Hay muchos artículos y clips en You Tube comentando la película. Por poneros una, ahí va:

¿Premios? En Cannes le dieron mejor actor (Tony Leung) y premio técnico; tuvo el César a la mejor película extranjera. El Círculo de Críticos de Nueva York premiaron la fotografía y la consideraron la mejor película extranjera. Para los BAFTA, fue la mejor película en lengua no inglesa.

No, no entró en los Óscar. No sé si le habría correspondido los del año 2000 o 2001. La categoría de habla inglesa fue ganado en el 2000 por Wò hǔ cáng lóng (Taiwán) en mandarín, de Ang Lee; y en 2001, No Man's Land (Bosnia y Herzegovina) en bosnio, de Danis Tanović. No recuerdo haber visto ninguna de las dos, aunque puedo estar equivocada. Me parece que ninguna de las dos puede ser mejor que esto.

Podéis leer más en la Wikipedia, Film Affinity, o la Internet Movie Data Base.

P.D.: Por cierto, en este comentario en You Tube te dicen que el director se basó en los gustos personales de la madre del autor que en aquella época escuchaba emisoras filipinas con boleros en español, cuyas palabras no entendía, pero sí el sentimiento, la emoción que había en ellas.

#45 Lo que el viento se llevó (película)

FilmAffinity

Gone with the Wind

Año: 1939

País: Estados Unidos

Director: Victor Fleming,  George Cukor,  Sam Wood

Música: Max Steiner

Una superproducción al servicio de una heroína inolvidable. Conciencias políticas, atenuense mientras la ven.

            Todo en esta película parece mítico, bigger than life. Es una película “a lo grande” en el más puro estilo de los estudios de los años treinta: basada en una novela superventas, actores de lujo, enormes decorados, música intensa y pegadiza, guion arrebatado con frases míticas de esas que se siguen recordando casi 80 años después (desde “A Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre” hasta el Frankly, my dear, I don't give a damn de Gable que le costó una multa con la censura), escenas llamativas, cuatro horas de duración…

Claro que la tienes que ver con la conciencia social acallada porque, al fin y al cabo, te cuentan la historia de la guerra de Secesión y la ocupación posterior desde la perspectiva de familias adineradas y esclavistas. Y no olvidemos el pequeño detalle de que en una escena queda claro que Rhett tiene sexo con Escarlata en contra de la voluntad de ella. Y encima te la ponen como que ella está encantada el día después.

Lo bueno, desde el punto de vista feminista, es que todo gira en torno a una mujer, una heroína inolvidable, Escarlata O’Hara, una jovencita al principio de la película y una mujer hecha y derecha al final. Interpretada por una maravillosa Vivien Leigh. Al principio de la historia es una chicuela sólo preocupada por ver cómo confiesa sus sentimientos al chico del que está enamorada, luego se lleva decepciones, pasa la guerra, la violencia, el hambre, se casa hasta tres veces, tiene una hija y demasiado tarde se da cuenta de que en realidad, su media naranja no es el tipo melifluo que ella lleva rondando toda la película. Demuestra que podía haber personajes femeninos interesantes, fuertes, que llevaran sobre sus hombros todo el peso de la historia, a quienes admirar, y no meros intereses románticos del héroe de acción.

Todo en esta peli está, ya digo, hecho a lo grande, todo tiene que resultar fuerte, emocionante, épico, y si te dejas llevar por la historia, pasarán momentos entretenidísimos.

También son míticas las historietas en torno a cómo se rodó, quién se llevaba mal y quién bien, cómo la producción se retrasó años hasta que pudieron contar con Clark Gable para el papel de Rhett Butler y encontrar a la actriz ideal para interpretar a la protagonista, las continuas revisiones del guion, cómo George Cukor fue despedido, y luego pasó a Victor Fleming, que quedó agotado y durante un tiempo fue sustituido por Sam Wood, e incluso hubo alguna escena que dirigió William Cameron Menzies, diseñador de producción,…así que a ver qué director filmó qué parte,… En fin, cotilleos varios de la Historia del Cine que entretienen al aficionado, pero sin demasiada trascendencia.

Es curioso, recuerdo que cuando comenté con mi madre que esta peli era de 1939, me lo discutió, dijo que como era en color, y con esos actores, que era de los años cincuenta. Y yo, que era una marisabidilla y me había leído todos los libros de cine a mi disposición (que no eran muchos, la verdad) juré y perjuré que era verdad, y ella que no,… O sea, algo que ahora se resuelve con san Google, en aquella época daba lugar a discusiones interminables.

La razón del despiste cronológico de mi progenitora, que se acordaba perfectamente del estreno, era que en la nacionalcatólica España esta peli fue censurada y no pudo verse hasta 1950, razón por la cual muchos creyeron que era de más o menos esos años.

Arrasó en los premios Óscar, incluidos los de mejor película, mejor director (Fleming), mejor guion adaptado (otorgado póstumamente a Sidney Howard), mejor actriz (Leigh) y mejor actriz de reparto (Hattie McDaniel). Lo de Hattie merece la pena resaltarlo, ya que fue la primera actriz afroamericana que lo ganó, lo cual es un punto positivo para una superproducción que, quieras o no, defiende una sociedad sureña esclavista. Y que décadas después de la guerra seguía siendo insufriblemente segregacionista, hasta el punto de que ni esta espléndida actriz, ni ningún otro intérprete negro de la película pudieron acudir al estreno en Atlanta, porque no había sitio para ellos en un teatro para blancos.

Cada vez que el personaje de Leslie Howard se ponía melancólico sobre el hermoso mundo que habían dejado atrás, me rechinaban los dientes y decía que sí, claro, que se lo dijeran a los esclavos de la plantación.

Ver esta película ahora a mí me causa más de un problema de conciencia, a pesar de que sé que es entretenida, magnífica desde el punto de vista cinematográfico. ¿Por qué? El racismo implícito en la película,... el ataque al más elemental feminismo por el hecho de que Rhett viole a Escarlata,... e incluso político, porque al fin y al cabo no llegan a discutir el origen de toda la guerra, que es la secesión ilegal decidida por unos politiquillos que luego no son los que luchan y mueren en la guerra, por motivos económicos miserables, para defender una sociedad impresentable, causando toda una carnicería por querer separarse del resto de los EE. UU.

Pese todo, Lo que el viento se llevó aparece, según leo en la Wikipedia, entre las diez primeras de la lista del American Film Institute con las 100 mejores películas estadounidenses desde su creación en 1998; en 1989 la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Para saber más: consúltese la Wikipedia, Film Affinity o la Internet Movie Data Base.

En YouTube hay bastantes momentos, aquí os dejo enlace a una lista de reproducción con fragmentos en español, con uno de esos doblajes chirriantes tan de los años cincuenta.

#10 Casablanca

Casablanca

Año: 1942

País: Estados Unidos

Director: Michael Curtiz

Música: Max Steiner

Drama romántico a la estadounidense.

¿Quién no ha visto esta peli de amor en tiempos de guerra? En Casablanca, se entrecruzan las vidas de varias personas, un refugiado centroeuropeo y su esposa, el cínico dueño estadounidense, el aún más cínico capitán Renault, al servicio de la Francia de Vichy, el tópico alemán nazi, el comprensivo pianista que lo mira todo mientras desgrana melodías inolvidables.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el estadounidense Rick tiene un café en Casablanca (Marruecos, para quienes no acaben de situarlo). EE. UU. aún no ha entrado en guerra (en la película, cuando se rodó, ya sí). Allí llegan Víctor e Ilsa, refugiados centroeuropeos en busca de pasaje para huir de los nazis y seguir luchando con la Resistencia. Elsa y Rick se enamoraron en París y después ella desapareció sin dar explicaciones. Rick y Elsa se ven enfrentados con un dilema: que Elsa se vaya con su marido o se quede. Y Rick, que tiene los salvoconductos para poder huir de Casablanca, tiene que decidir si se los da o no.

Es una película en blanco y negro, entretenidísima, con más de un momento de ambigüedad, y evolución de los personajes que no son del todo buenos o del todo malos. Salvo el heroico Víctor Laszlo, marido de Ilsa, of course. Yo creo que les salió un clásico por pura chiripa, creían que estaban rodando una película más de propaganda en tiempos de guerra. Se rumorea que los actores no sabían en qué iba la historia y que esa incertidumbre enriqueció sobre todo la interpretación, emocionalmente intensa, de Ingrid Bergman. En realidad, lo que Ingrid Bergman dijo es que no sabía de quién tenía que enamorarse. El final de ella abandonando a su marido por Rick sería impensable en aquella época, así que las opciones eran distintas: o estaba enamorada de Rick (en cuyo caso sólo cabía o que mataran a Víctor en Casablanca o que ella se sacrificara al final) o de su marido (y entonces lo de Rick y ella en París sólo fue un lío sexual).

Es una película muy entretenida de ver, considerada como una de las mejores de la historia del cine, y que conserva todo su encanto y frescura para los espectadores actuales. Todo funciona maravillosamente bien: la narración, los intérpretes, la música, el guión (venía de una obra teatral nunca representada, y eso suele ser garantía de calidad dramática) con frases inolvidables que han pasado a la cultura popular (“Siempre nos quedará París”, “pienso que este es el comienzo de una bella amistad”, “Tócala otra vez, Sam”, “Me desprecias, ¿verdad?--- Si llegara a pensar en ti, probablemente”,… son sólo algunas de ellas).

            Y además tiene una idea más profunda que acaba impregnando toda la historia, la del sacrificio particular cuando están en juego grandes cosas que afectan a millones de personas, algo muy apropiado en tiempos de guerra.

Mi único “pero” es que la resolución del conflicto se plantea en términos algo machistas porque al final es Rick quien decide el futuro de los dos, cuando en realidad el problema es más de Ilsa (decidir entre el deber y el amor) que de él.

            Anécdotas tontas que revelan la mentalidad de la época es por ejemplo, que como Ingrid Bergman era casi cinco centímetros más alta que Bogart (y era –o es- anatema  que los hombres sean más bajos que sus parejas) se rodaron muchas escenas con el actor sobre ladrillos o sentado sobre cojines.

            O que, en España, haya llegado a haber hasta tres doblajes (el original, el de 1966 y el de 1983) porque Rick había colaborado con los republicanos en la Guerra Civil española, y en Abisinia contra la Italia fascista y un héroe así, como comprenderán, resultaba inadmisible durante el franquismo.

            Ganó el Óscar a la mejor película, al mejor director y al mejor guion adaptado. Pero ha sido el tiempo lo que ha mantenido en la memoria de los espectadores, mientras que la mayoría de las películas de la época se han hundido en el olvido. En 1989, Casablanca fue seleccionada por el National Film Registry para ser preservada en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa».

             Para saber más: consúltese la Wikipedia, Film Affinity, Internet Movie Data Base y Sensacine.